Vulgarism이란?

디자인과 아트의 컨버전스는 이전부터 논의되어 온 것으로, 새로운 현상이 아니다. 오늘날 마켓은 Design-Art 스타일을 추구하는 방향으로 많은 주목을 받고 있다. 하지만 새로운 것을 찾고자 하는 디자인계의 혼란스러운 내부 현상인지, 아니면 현대 라이프 타임의 자연스러운 조짐인지에 대한 의문을 갖게 한다.

마켓이 이 현상에 반응하고 이를 자본화하는 데에는 많은 시간이 걸리지 않는다. 과연 이 현상은 디자인계와 예술계의 이득이 될 수 있을까? 이에 David Report에서는 세 분야의 전문가를 통해 지금 일어나고 있는 현상에 대해 알아보았다.

과거에는 십년마다 어떠한 스타일이나 이즘이 존재해왔다. 20년대의 Modernism, 60년대의 Plastic Excesses, 90년대의 Minimalism이 그러한 예다. 디자인의 세계적 진원지인 Milan Furniture Fair의 경우, 최근 2년 동안은 재미있고 영특한 디자인을 찾기 어려웠다. 오늘날은 뜻이 통하지 않는 스케치 디자인이 최고로 인정받기도 한다. 이는 더 이상 스마트한 이용자 중심, 기능적 디자인이 최우선이 아님을 명확히 의미한다. 이는 쇼맨쉽에 더욱 가까워지고 있다.



네덜란드 기반의 Kitchy 디자인 스타일은 그 좋은 예인데, 디자인과 예술의 컨버전스로 올해 Milan Furniture Fair에서 이전에 비해 더욱 눈에 띄었다. 거대한 크기의 차 주전자, 거대한 피노키오 인형, 도자기 말머리 인형, 실뜨개 강아지 등 이 모든 것들은 Piero Fornasetti 또는 Memphis 그룹과 포스트 모더니즘 시대로 돌아간 것 같아 보였다. 그리고 Studio Job의 쇼는 이상한 나라의 앨리스, 오즈의 마법사를 방문한 것처럼 느끼게 했다.

이에 유심히 생각해봐야 할 것은 우리가 그것을 디자인이나 아트로, 혹은 디자인 아트로 불러야 할지, 아니면 새로운 카테고리로서 발전시켜야 하는 지에 대한 질문이다. 몇몇은 이를 Neo-Surrealism 혹은 Expressionism-design 이라고 부르지만, David Report에서는 이를 Vulgarism이라고 지칭하고 있다.

디자인과 아트의 컨버전스

Burno Munari의 책에서 디자인과 예술의 차이는, 디자인으로서 고려되고 불려지기 위해서는 기능을 가지고 있어야 한다고 했다. 최근 소위 Design-art라고 불리는 현상은 더 이상 진부하지 않은 유행으로, 디자인도 예술도 아닌 Vulgar Pollution이다. 네덜란드의 Marcel Wander의 작품과 같은 설치물들은 멤피스 지역의 과장된 포스트모더니즘을 상기시킨다.

오늘날 많은 디자이너들은 예술가로서 우세한 쪽에 서서 쉽고 빠르게 돈을 벌길 원한다. 디자인오브젝트는 왜 높은 가격을 형성하는 가? 시카고 경매인 Wright20을 보면, Angelo Mangiarotti, Osvaldo Borsani, George Nelson같은 디자인 오브젝트가 세련된 수집가들에 의해 선택되고 높은 가격에 거래되는 지에 대해 알 수 있다.

유명한 장인들에 의해 희소한 시리즈로 만들어지거나 재료의 이용이 혁명적으로 사용되었기 때문이다. 게다가 디자인 오브젝트가 만들어진 지역은 역사적 가치를 가지게 될지도 모른다.
이러한 디자인 오브젝트의 희소성과 그것들이 판매된 갤러리는 사람들로 하여금 이 작품들이 예술이라고 믿게 하지 않을 것이다. 왜냐하면 마침내 디자인의 역사 속에서만 중요해진 디자인 오브젝트에 지나지 않기 때문이다.

그렇다면 디자인은 어디를 향해 가고 있나? 대답하기 어려운 질문이다. 한 이탈리아 제조업자는 Salone di Mobile 2007에서 당신에게 바이어가 있는 한 당신이 원하는 것을 계속 할 수 있을 것이다 라고 말했다. 시장은 생산 회사를 완전히 조종하는 것처럼 보인다. 새로운 밀레니엄 시대에서 회사들은 생태학적 문제를 더욱 의심해야 할 것이다.

상대적으로 소수의 디자이너만이 그들의 직업으로 큰 돈을 번다. 일반적으로 사람들에게 돈은 그들의 삶을 위한 동기가 되기도 한다. 아마도 디자이너들이 아티스트를 모방하기 시작하는 것은 그 이유일 것이다. 경매회사들도 물론 기뻐할 것이다. 디자이너들의 빛바랜 작품들도 팔 수 있을 뿐만 아니라 일회용이나 한정판을 만들어 팔 수 있기 때문이다.



Time지는 최근 Studio Job에 대해 박물관 큐레이터와 갤러리 오너들은 표현주의 디자인 운동의 리더로 그들을 칭송하고 있다고 밝혔다. 한편 International Herald Tribune의 Alice Rawsthorn은 Neo-Surrealism의 광기에는 상업적 논리가 숨어있다고 했으며, 이 센세이션은 세계화 속에 동질화되는 것에 대한 고객들의 지루함과 대량 시장 중국의 공격적인 경쟁에 대해 유럽 가구 제조업자들을 위한 영리한 방어며, 이 표면 상의 풍부한 Sizing은 거대하게 비실용적인 디자인에 돈을 아끼지 않는 아트 컬렉터에 어필하기 위한 계산된 것이라고 말했다.

그렇다면 Vulgarism은 디자인일까, 예술일까, 아니면 둘을 합친 것인가? 이에 대한 아트 큐레이터 Giuliana Stella의 의견을 들어보았다.

1994년, 95년에는 Atelier Van Lieshout라고 불리는 일종의 사회를 형성했고, 예술과 디자인, 건축물을 생산했다. 세 가지를 모두 하고 있음에도 불구하고, 재미있는 것은 무엇이 예술이고 디자인이냐에 대한 극명한 결과를 가져왔다는 것이다. 때로 모호하게 그리고 극단적으로 표현했지만, 그것은 연구의 일부였다. 이 연구는 기능적인 것과 아닌 것에 대한 시장의 논리에 반박했고 나름대로의 정체성과 Phillippe Starck이나 Marcel Wander의 작품에서는 찾아볼 수 없는 신뢰성을 가져왔다.
그러나 Marc Newson과 같이 과거에 다소 재미있는 것을 만드는 디자이너조차도 교묘하게 자신이 예술가처럼 행동하기도 했다. 왜냐하면 이는 매체 출현을 늘리고, 그들의 다른 진정한 디자인을 심각하게 정성들여 마무리할 필요가 없었기 때문이다. 디자인 역시 연구이고 혁명이며, 다른 예술가가 디자이너로 활동하는 것과 마찬가지로 디자이너도 예술가로 활동하는 것이다.



명품 시장 역시 Vulgar Trend에 포함되어 있다. 최근 온라인 매거진 Luxuryculture에 따르면 Jaime Hayon은 디자인의 새로운 느낌 좋은 부분의 최신 제안자고 인간에게 어필하는 예술적 하이브리드를 창조하고 있으며, Hayon의 중요한 설정은 디자인 광을 식별하는 디즈니랜드와 닮았으며 그를 초콜렛 공장의 Willy Wonka라고 칭하였다.

Vulgarism 출현에 중요한 두 사람은 Design Miami와 Design Basel의 설립자 Ambra Medda와 Sam Keller이다. 그들은 디자이너 만큼 중요한 셀러브리티가 활동할 수 있는 새로운 종류의 플레이그라운드를 제공했다. Diddy, Beyonce, Steve Martin, Keanu Reeves와 같은 셀러브리티의 출현은 평범할 수 있는 예술 박람회에 특별한 이벤트를 제공하기 때문이다.

Ambra Medda에 따르면, 고가의 일회성, 한정판 Design Art 오브젝트에 대한 많은 수요가 있으며, Design Miami와 Design Basel의 갤러리 오너는 이러한 Vulgarism의 가장 힘있는 강자가 되고 있다고 한다. 그들은 중국과 두바이에 분점을 설립할 계획이며, 수많은 벼락부자로 넘쳐나는 이 지역에 Vulgar Design Art는 흥미로운 곳이 될 것이라고 전망하고 있다.

Vulgarism에 고정적으로 등장하는 Jaime Hayon은 스스로 디자이너가 아닌 예술가로 보이길 원한다며 다음과 같이 말했다. “디자인은 예술과 비슷하고 직감으로 일을 한다. 그들이 화이트라고 말하면, 나는 블랙으로 향한다.” 재미있는 인용구이다. 이에 대한 응답으로 영국 디자인 협회에서는 예술가와 달리, 디자이너는 그들의 창조적인 자극을 단순히 따르지 않는다. 그들은 상업적 환경 하에서 작업하며, 디자인 과정에 영향을 미치는 많은 이유들이 있다. 디자이너는 이 상품이 정말 원하는 물건인가, 시장에서 다른 물건들과 어떻게 차별화될 수 있을까, 요구에 부합하는가, 너무 비싸지 않은가, 안전한가와 같은 질문을 해야 한다고 차이점을 밝혔다.

뉴욕의 Cooper-Hewitt National Deisgn Museum의 전시회 Design for the Other 90%는 거의 모든 디자인이 지구인의 10%를 타겟으로 만들어지고 있으며, 60억 인구를 위한 디자인은 없음을 보여주었다. Vulgarism의 과장된 디자인 스타일의 많은 팬은 부유한 걸프만 주위에서 찾게 될 것이다. Jaime Hayon에 의한 두바이의 명품 패션 리테일러를 위한 새로운 Villa Moda 매장과 Marcel Wanders에 의해 제안된 같은 회사의 매장이 바레인에 위치한 것과 같은 맥락이다.





결론

오늘날 우리는 모든 것이 혼재되어 있는 복잡한 세상에 살고 있다. 인간은 마치 자원이 무제한인 것처럼 새로운 물건들을 생산하고 있다. 우리는 더 좋은 상품을 제외하고는 더 적게 사야 할 필요가 있다. 바로 재활용이다. Vulgarism의 과격한 작품들은 이와는 전혀 다른 작업이다. Stockholm의 Beckmans College의 디자인 학장인 Tom Hedqvist는 단지 재미를 위한 디자인을 하지 않았고 학생들은 분별있게 행동했다. 과소비는 오늘날의 사회를 반영한다며 오늘날과 비교하여 1970년대의 디자인 환경에 대해 설명하고자 했다.

Vulgarism은 역사책 속의 작은 물음표보다 더 의미있는 것이 될 수 있을까? 90년대 예술가 Mark Kostabi의 흥망성쇠처럼 될 것인가? Tom Dixon이 최근 Inhabitat와의 인터뷰에서 디자인은 세계를 구할 수 있다. 앞으로 일어날 일에 대해 우리는 디자인이 문제를 해결할 수 있다는데 가치를 두고 관심을 가져야 한다고 말한 것처럼 디자이너는 책임감을 가져야 한다. 오래 지속되고 있는 가치의 좋은 예는 Arne Jacobsen의 개미 의자와 같은 신화적 디자인 고전 작품이 될 수 있다. 그것은 현대의 진실된 반영을 결합한 기술과 생산 과정의 한계를 극복하면서 창조되었다.

출처 : 삼성디자인넷, 2007.07.18